Las siguientes son algunas de las valiosas notas de Meyerhold (Vsévolod Emílievich Meyerhold, 1874–1940), el revolucionario director, actor y teórico ruso que transformó el teatro con el desarrollo de la biomecánica y el análisis de la fisicalidad. Estos aforismos y reflexiones resultan indispensables para que actores y directores contemporáneos entiendan la escena libre de convencionalismos.
Reflexiones sobre el crecimiento artístico y los críticos
«A los críticos les encantaría que la maduración del artista se produjera en una especie de laboratorio con las cortinas echadas y las puertas cerradas. Pero nosotros crecemos, maduramos, buscamos, nos equivocamos y encontramos ante los ojos de todos y en una colaboración constante con el espectador. A los jefes militares les enseña también la sangre derramada en los campos de batalla. Además, ¿qué es una equivocación? De la equivocación de hoy nace, en ocasiones, el acierto de mañana.»
«Cuando ven ustedes en otoño un árbol que pierde sus hojas, les parece que se muere. Pero no muere, sino que se prepara para su renovación, para su florecimiento futuro. No hay árbol que florezca todo el año ni artista que no atraviese momentos de crisis, de decaimiento, de dudas. Pero, ¿qué dirían ustedes de un jardinero que quisiera talar en otoño los árboles que pierden las hojas? Entonces, ¿no se puede tratar a los artistas con la misma paciencia y el mismo cariño con que tratamos los árboles?»
«Los críticos han hecho pocas veces blanco en mí. Y no es porque fueran pocos los cazadores que disparaban, sino porque yo soy un objetivo que se mueve demasiado de prisa.»
La vasta especialidad de la dirección de escena
Meyerhold defendía que el director de escena debe poseer un bagaje cultural e intelectual multidisciplinario para poder guiar con éxito el espectáculo.
«Yo he sido un actor de amplio diapasón: he interpretado papeles cómicos y papeles trágicos y casi papeles femeninos. He estudiado música y coreografía. Además, he estudiado derecho, he colaborado en periódicos y he hecho traducciones. Me tengo por literato y pedagogo. Pues bien, todo eso me ha servido para dar clases de dirección de escena. Y, si hubiera tenido alguna otra especialidad, también me habría servido. El director de escena debe saber mucho. Existe la expresión “especialidad escrita”. Pues bien, la dirección de escena es la especialidad más vasta del mundo.»
El «Segundo Piso» de la puesta en escena
Para Meyerhold, montar una obra no es simplemente repetir el texto del dramaturgo, sino realizar un acto creativo e interpretativo autónomo.
«El director de escena debe saber comprender bien la obra que monta. Pero no basta con eso. Hace falta saber edificar en su propia imaginación lo que yo llamo el “Segundo piso de la obra”. Por muchas vueltas que se le dé, una obra no es más que un material para el teatro. Sin modificar una sola letra, soy capaz de dar a una obra una interpretación opuesta al sentido del autor solamente con detalles de la puesta en escena y del juego de los actores. Por eso, la lucha por conservar y encarnar el pensamiento del autor no es una lucha por las palabras de la obra.»
«Me parece de lo más ingenuo el debate que todavía se sostiene en las páginas de las revistas teatrales para dilucidar si el director de escena es el que lleva la voz cantante en la creación de un espectáculo o es el dramaturgo. A mi entender, lo principal es la idea, pertenezca a quien pertenezca. De los dos miembros del biunvirato (autor-director de escena), “lleva la voz cantante” en este caso aquél cuyo pensamiento es más enjundioso, más activo, más agudo.»
La fisicalidad y el actor como centro
A pesar de sus ideas revolucionarias de dirección, Meyerhold tenía muy claro que el verdadero corazón del teatro es el propio actor. De hecho, sus postulados sobre la biomecánica parten de que el plano físico determina la expresión intelectual y verbal del actor. Este enfoque influyó decisivamente en otros directores del siglo XX, lo que puede apreciarse al revisar la evolución de la interpretación de Stanislavski a Grotowski.
«Estoy persuadido de que el actor que adopta un plano físico acertado pronuncia el texto con acierto. Pero la elección de un plano también es un acto consciente, un acto de pensamiento creador. Puede haber planos erróneos, aproximativos, cercanos, casi acertados, fortuitos, exactos, etc. La gama para elegir es enorme. Pero lo mismo que el escritor busca la palabra exacta, también yo busco el plano más exacto.»
«Me permito decirles, colegas y discípulos míos, que la tesis del teatro del director de escena es un completo absurdo al que no se debe dar crédito. No hay director de escena —si verdaderamente lo es— que coloque su arte por encima de los intereses del actor como figura principal del teatro. La maestría de la dirección, el arte de estructurar las puestas en escena, la sucesión de la luz y la música se deben poner al servicio de magníficos actores de alta calificación.»
Las asociaciones de ideas y la sencillez
«Procuren sugerir las asociaciones de ideas. Trabajen con ellas. En el teatro, yo no hago todavía más que aproximarme a la comprensión de la enorme fuerza que tienen las asociaciones de imágenes. Aquí hay un tesoro infinito de posibilidades. (…) Aprovechando esas asociaciones, podemos no acabar de decir las cosas para que acabe de decirlas el espectador.»
«La sencillez es lo más precioso en el arte. Pero cada artista tiene su idea propia de la sencillez. Existe la sencillez de Puschkin y existe la sencillez del primitivo. No existe una sencillez asequible y comprensible para todos, como tampoco existe en el arte la “dorada medianía”. El artista debe procurar alcanzar su sencillez propia, que no se parezca en absoluto a la sencillez de su compañero; la suprema sencillez del arte es una cosa a la que se llega y no de la que se parte. Es una cumbre y no un fundamento.»
«Quien no ha dado todo al arte, no le ha dado nada. Lo más hermoso del arte es que, en cada nueva etapa, vuelve uno a sentirse discípulo.»
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